Yoko Shimomura x Michiru Yamane (2023) – entrevista

Esta extensa entrevista con Yoko Shimomura y Michiru Yamane apareció originalmente en el libro *Game Ongakuka Interview Shuu*, publicado en 2023 y escrito por el reconocido periodista de videojuegos Haruhisa «hally» Tanaka. Tanaka, quien también es músico e ingeniero, centra la conversación en las raíces de la música clásica de Yamane y Shimomura, explorando sus influencias formativas con un matiz sin precedentes.

Yoko Shimomura – Nacida en la prefectura de Hyogo. Estudió piano y composición en la división de estudios superiores del Osaka College of Music, incorporándose a Capcom en 1988. Compuso principalmente música para juegos de arcade, incluyendo Street Fighter II, y actuó en vivo como miembro de la banda interna de Capcom, Alph Lyla. Se unió a Square en 1993, trabajando principalmente en RPGs, destacando especialmente en las series Live A Live y Kingdom Hearts. Se independizó como freelance en 2003 y desde entonces ha compuesto para anime, cine y producciones teatrales.

Michiru Yamane – Nacida en la prefectura de Kagawa. Se especializó en composición en la Universidad de Artes de la Prefectura de Aichi, bajo la tutela del difunto Bin Kaneda. Mientras estudiaba música clásica occidental, descubrió la producción musical por ordenador. Se incorporó a Konami en 1988, componiendo música para numerosos títulos, incluida la serie Castlevania. Posteriormente, estudió jazz y polirritmias en la escuela privada de Makoto Kikuchi, integrando estos elementos en sus partituras para videojuegos. Dejó Konami en 2008 y actualmente se centra en la música de sanación.

—¿Cuándo se cruzaron sus caminos por primera vez?
Shimomura: Fue en 2008. Creo que visité las oficinas de Konami.

Yamane: Por esa época estaba pensando en dejar la empresa, y quería hablar con Shimomura porque ya era freelance, así que me puse en contacto con ella. Creo que supe de Shimomura a través de Kingdom Hearts. Solía leer su blog todo el tiempo, y admiraba mucho su flexibilidad e iniciativa.

—Yamane, ¿cómo terminaste uniéndote a Konami?
Yamane: Me había graduado en la escuela de música y estaba a punto de conseguir un puesto como profesora a tiempo parcial en un instituto local, pero realmente quería un trabajo donde pudiera escribir música. No había ofertas de empleo, así que estaba a punto de rendirme, pero entonces encontré Nihon Computer System y Konami. El examen de ingreso de Konami estaba programado antes.

Siempre me han encantado los videojuegos. En el instituto, estaba tan enganchada a Space Invaders que casi me arruino la vista. Incluso durante la universidad, visitaba constantemente la pensión de un amigo porque tenían una Famicom. Pensé que Konami parecía un gran lugar, así que hice el examen, y ese mismo día me llamaron para programar una entrevista ejecutiva. Durante nuestro entrenamiento, tuvimos que estudiar cosas como la CPU Z80 y la arquitectura general de los ordenadores. Una vez que empecé a trabajar, no hacía más que componer.

Shimomura: ¡Yo también tuve que hacer programación en ensamblador! Veo tantos paralelismos con mi propia historia. Estaba a punto de conseguir un puesto en una escuela de piano, pero de repente me pregunté: «¿Es esto realmente lo que quiero?». Me encantaban los videojuegos y vi un anuncio de contratación, así que originalmente solicité en Nintendo, pero no encajaba. También pensé que Konami parecía genial, pero no tenían vacantes, aunque contrataban personal a tiempo parcial. (risas) La única que quedaba era Capcom. Ahora que lo pienso, el año anterior había trabajado a tiempo parcial en un stand de Capcom, repartiendo folletos para la versión Famicom de Ghosts ‘n Goblins. Pensé: «¡Ah, ese lugar!» y solicité. Eso fue en 1988.

Yamane: Vaya, somos exactamente iguales. Yo también entré en el 88.

—¿Qué te llevó a dedicarte a la composición?
Yamane: Tomaba lecciones de piano y de electone desde pequeña, pero mis profesores eran increíblemente estrictos en cuanto a no cometer ni un solo error. Luego, durante una actuación en la secundaria, me puse tan nerviosa que mi mente se quedó en blanco y no pude tocar nada. Desde ese momento, le cogí mucho miedo a tocar delante de la gente, lo que me hizo querer escribir música en su lugar. Con la composición, incluso si cometes un error, puedes borrarlo con una goma.

Shimomura: Es increíblemente parecido a mi experiencia. Estudié piano en la universidad, pero no era buena en absoluto. Me aterrorizaba equivocarme durante las actuaciones y también me di cuenta de que no podía tocar físicamente la música de piano ideal que imaginaba en mi cabeza. Si no podía tocarla, pensé, debería pasar al lado de la escritura y dejar que los profesionales la tocaran por mí. Solía preocuparme de que dedicarme a la composición solo porque no podía con el piano fuera una falta de respeto a los estudiantes de composición, pero al final, resultó ser lo mejor.

Yamane: Al principio, los ordenadores eran muy divertidos porque, mientras dedicaras tiempo, tocaban cualquier frase exactamente como querías sin un solo error. Me emocionaba poder construir mis propios mundos ideales sin tener que interpretarlos. Hace poco empecé a tocar el piano de nuevo. Justo antes de dejar Konami, me pidieron que tocara el clavecín en una feria de videojuegos en Alemania. Para entonces, mi mentalidad había cambiado y estaba agotada de secuenciar música, así que finalmente me di permiso para tocar. Cuando terminé de tocar en el lugar, el público estalló en un gran aplauso, y ese fue el momento en que pensé: «Sí, creo que ya he terminado con la vida corporativa». Aunque no fue hasta alrededor de 2016 cuando empecé a tocar regularmente frente al público de nuevo.

Shimomura: La música clásica recalca ese estándar de perfección: «No debes cometer un error».

Hoy en día, Yamane comparte su talento en su canal de YouTube, interpretando principalmente sus composiciones de Castlevania y otros juegos. En la descripción del video, Yamane dice que esta canción de Bloodlines fue «probablemente la primera canción que compuso para la serie Castlevania».

Yamane: En realidad, fui a una escuela secundaria de música antes de la universidad. La elegí solo porque no quería ir a una escuela académica normal y pasar todo el tiempo estudiando. Una vez matriculada, todos los que me rodeaban eran increíblemente talentosos al piano, así que ya tenía miedo de tocar en esa época. Fue después de eso, recordando el incidente de la secundaria donde me quedé bloqueada con el electone, cuando empecé a recibir lecciones de teoría musical y armonía, con el objetivo de entrar en el departamento de composición de la universidad.

Shimomura: Yo también quería ir a una escuela de música, pero mi nivel de piano no estaba ni cerca de eso. Envidio que tuvieras la habilidad para ello. Siempre digo que, si reencarno, quiero ser pianista. (risas)

Yamane: Si reencarno, quiero ser pianista de jazz. Los admiro mucho.

La experiencia compartida de la generación de la televisión

—Teniendo en cuenta lo cerca que están en edad y antecedentes, imagino que escucharon mucha de la misma música.
Yamane: ¿Por dónde empezamos? ¿Yellow Magic Orchestra?

Shimomura: Cuando estaba en el instituto, me hospitalizaron por apendicitis. Un amigo me trajo un álbum de YMO con sketches cómicos de Snakeman Show intercalados entre la música. «Escucha esto para animarte».

Yamane: Ese debía ser Zoushoku.

Shimomura: Acababa de ser operada, pero me hizo reír tanto. «¡Jajaja! ¡Ay, duele!». Ese es mi principal recuerdo de YMO. (risas) Ese amigo era fan de Haruomi Hosono, y otro amigo amaba a Yukihiro Takahashi, así que sentí que debía decir que me gustaba Ryuichi Sakamoto. (risas) A partir de ahí, retrocedí y revisé el catálogo de YMO y parte de su trabajo en solitario. No diría que estaba obsesionada, pero todos los de nuestra generación pasamos por esa fase.

Yamane: Mi favorito absoluto es el debut en solitario de Ryuichi Sakamoto, especialmente Thousand Knives. Escuché eso y el álbum de Kakutougi Session, Summer Nerves, en rotación constante. Había progresiones de acordes en Thousand Knives que no podía descifrar de oído, lo que lo hacía aún más fascinante. Cuando no puedo descifrar una progresión de una canción que me encanta, me causa una gran impresión. Ese álbum me influyó profundamente.

El trabajo de arreglos de Sakamoto para artistas como Eikichi Yazawa, Circus y Taeko Onuki también fue brillante; realmente destacaba. Lo respeto mucho. Honestamente, mi cambio al departamento de composición se debió en gran parte a la influencia de Sakamoto. Quería ser como él. Para lograrlo, fui a estudiar teoría de la composición con un profesor que se había graduado en la Universidad de Artes de Tokio. El tiempo de ese profesor en la universidad coincidió ligeramente con el de Sakamoto, lo que me hizo muy feliz y me motivó a estudiar.

—Así que tu introducción a YMO llegó estrictamente a través de Ryuichi Sakamoto.
Yamane: Creo que descubrí a YMO solo después de obsesionarme con Sakamoto. Tenía el tema Tong Poo en rotación constante. Escuché a todos los artistas que mencionaba en sus artículos de entrevistas, gente como Steve Reich. Eso me llevó a Japan, y escuché Tin Drum hasta la saciedad. También llegué a amar a Kraftwerk. Incluso escuché música clásica contemporánea, pensando: «Sakamoto debe haber estudiado cosas como esta». Escuché a Akiko Yano por esa misma conexión, y recuerdo que me quedé devastada cuando se casaron. (risas) Así de gran fan era. Pero durante mi tiempo en Konami, nunca mencioné nada de esto a nadie. Pensé que solo pensarían: «Vaya, qué friki». Ya no es así, sin embargo.

Shimomura: Hablando de YMO, me encantaba la canción La Femme Chinoise. Me parecía increíblemente interesante cómo tomaron elementos etnomusicológicos y los infundieron en la música pop. No solo lo copiaron; lo digirieron en su propio estilo. En ese sentido, podrían haberme influido más tarde.

—Eso se siente como un precursor directo de tu trabajo en Street Fighter II.
Shimomura: Su sonido era tan pop que casi me sentía culpable por gustarme. (risas) Tuve una educación clásica estricta, pero hasta cierto punto, escuchaba música popular japonesa (kayōkyoku) como cualquier otro. Cuando era pequeña, cantaba Jonetsu no Arashi de Hideki Saijo cuando mi padre me regañó, diciendo: «Deja de cantar canciones tan vergonzosas». Después de eso, mi interés se centró en el piano y me alejé de la música pop por un tiempo. Pero en sexto grado, me quedé alucinada con Daitokai de Crystal King, lo que me trajo de vuelta. Empecé a ver programas de listas de éxitos como The Best Ten. Los primeros discos que compré con mi paga fueron Daitokai y Ihoujin de Saki Kubota. También me gustaba mucho Godiego en aquella época.

Yamane: Mi introducción a la música pop llegó a través de la televisión, con cosas como Beautiful Sunday de Seiji Tanaka o Megumi Asaoka. También escuché Twist. Un poco más tarde, Seiko Matsuda. La televisión también me introdujo a las bandas sonoras de películas extranjeras. Nunca olvidaré el tema de Henry Mancini para Columbo, con ese llamativo silbido. También me encantaban los temas finales de programas como Monday Road Show y Friday Road Show, cosas como The Party’s Over de Ray Anthony o Cris d’amour de Pierre Porte.

Shimomura: Me encantaba el arreglo de Morton Gould de So in Love, que servía como tema final de Sunday Foreign Film Theater.

Yamane: ¡Oh, ese también me encantaba!

Shimomura: Mi padre me llamaba: «¡Está sonando tu canción favorita!», y yo corría al televisor solo para escuchar esa pieza específica. Al principio, pensé que era de Rachmaninoff, pero luego me di cuenta: «No, esto se siente más moderno», y busqué la grabación mucho más tarde. Hablando de películas que vi en la televisión en aquella época, el tema de Lo que el viento se llevó, Tara’s Theme, fue inolvidable. También me encantaba Lawrence de Arabia. No tenía ni idea de qué trataba la trama, pero mi fascinación por los sonidos de Oriente Medio sin duda se remonta a esa canción principal. Ese material es sin duda parte de mis raíces musicales.

Despertar a la música occidental

Yamane: Cuando estaba en quinto o sexto grado, por fin nuestra familia consiguió un equipo de música. Escuchaba constantemente los discos de vinilo que venían incluidos: el jazz de Oscar Peterson y Julio Iglesias. En casa, como mi madre regentaba una tienda de cosméticos, los vendedores puerta a puerta de discos importados solían pasar a menudo. A mis padres les encantaba la música, así que los compraban con regularidad, y así fue como me expuse al pop europeo. Así descubrí Il Silenzio de Nini Rosso.

Shimomura: En mi casa también teníamos discos de Nini Rosso, junto con Claude Ciari, porque a mi padre le encantaban.

Yamane: Con el tiempo, empecé a comprar discos yo misma. Los primeros fueron de los Bay City Rollers. Entre los Beatles y los Bay City Rollers, yo estaba firmemente en el campo de los Bay City Rollers.

Shimomura: Eran increíblemente populares, ¿verdad? Si comprabas revistas como Heibon o Myojo, siempre venían con sus pósters. Aunque los compraba, me las daba de guay y fingía no estar interesada. (risas)

Yamane: Más tarde, empecé a leer Music Life y descubrí a Angel y Queen. Escuché prácticamente toda la música rock occidental de esa época, leyendo las notas de Yoichi Shibuya. También grababa música de la radio todo el tiempo. Para enumerar los artistas que descubrí así: Billy Joel, Barry Manilow, Burt Bacharach y Eric Carmen. Carmen incorporó famosamente a Rachmaninoff en All by Myself, y el fraseo de piano en el medio me causó una gran impresión. También me enamoré de una canción de amor llamada Just Once del álbum The Dude de Quincy Jones y la escuchaba constantemente. Eso y la canción de Michael McDonald What a Fool Believes. Mucha gente ha hecho versiones de esa. Era otra canción en la que no podía descifrar la progresión de acordes. Sin duda, también la tenía en rotación constante. En cuanto a temas instrumentales, me gustaban temas como Love Theme de Barry White.

—Así que en aquella época, si una canción de éxito resonaba en ti, la escuchabas sin importar qué.
Yamane: Exactamente. Un poco más tarde, fueron cosas como My Sharona de The Knack y Le Freak de Chic. Incluso escuché un poco de punk rock como los Sex Pistols. Después de esa fase, me pasé a la música dance y a los estilos New Romantic: Pop Muzik de M, Depeche Mode, Yazoo, Boy George, Panache, Duran Duran…

Shimomura: Si grababas música de la radio en aquella época, no podías escapar de Duran Duran. Para nuestro bunkasai (festival cultural) del instituto, hicimos disfraces de Duran Duran, pusimos su música e imitamos su coreografía. Así de mucho los queríamos. También me gustaba mucho Roger Taylor en aquella época. Esa es la trayectoria que seguí: de los Bay City Rollers a la música del Reino Unido, que finalmente me llevó a Queen. Siempre me ha encantado la música del Reino Unido.

Shimomura: ¿Y los Pet Shop Boys? Me encantaban.

Yamane: Oh, sin duda. También los escuchaba.

Shimomura: Mi interés por la música occidental llegó bastante tarde, justo cuando Michael Jackson explotó. Antes de eso, era estrictamente música clásica y algunas canciones pop japonesas. Mi padre era bastante estricto con la música y no le gustaban la música occidental ni el rock.

Yamane: En mi casa era todo lo contrario. Cuando era pequeña, mi madre veía bandas como Yes o Elvis Presley en la televisión y grababa el audio en cintas de casete. Así fue como me introduje en la música occidental. Me sorprende oír que no pasaste por una fase rockera de niña, Shimomura. Teniendo en cuenta tu trabajo en juegos como Street Fighter II, escribes música de estilo rock con tanta facilidad.

Shimomura: ¡En absoluto! Apenas sabía distinguir entre izquierda y derecha; de alguna manera logré abrirme camino hasta allí. La razón por la que pensé en probar la música de videojuegos fue porque escuché Dragon Quest y pensé: «Si es música de estilo clásico como esta, hasta yo podría hacerlo». (¡Lo siento, Sugiyama Sensei!) Pero en ese momento, Capcom no hacía RPGs, así que no tuve más remedio que escribir música para juegos de acción. Cuando me uní por primera vez, no podía escribir ni una sola línea para bajo o batería.

Yamane: Yo era exactamente igual cuando escribía para juegos de acción. No sabía programar baterías, así que fue un gran desafío. Además, el concepto de usar una séptima o una séptima mayor como tónica (el acorde de apertura de una canción) ni siquiera se me había ocurrido. En la teoría musical académica, solo nos enseñaban que la tónica era un acorde de do mayor estándar, do-mi-sol. Terminé escuchando títulos antiguos como Exciting Soccer para ver cómo lo hacían mis compañeros, dándome cuenta: «Oh, ¡se puede hacer así!». Eso me abrió un mundo nuevo.

Una educación puramente clásica

—Shimomura, mencionaste tener una «educación puramente clásica». ¿Cómo fue eso?
Shimomura: Siempre me ha encantado el piano. En la escuela primaria, casi todos los meses usaba mi paga para comprar partituras individuales que costaban unos 150 yenes cada una. Al ver eso, mi padre me regaló una colección de casetes de obras maestras clásicas para mi cumpleaños que incluía esas mismas piezas. Durante mucho tiempo, esa cinta fue la única música grabada que poseía, así que la escuchaba exclusivamente. Pero con el tiempo, empecé a sumergirme en la colección de discos clásicos de mi padre, y fue entonces cuando realmente me enganché.

Cuando estaba en la secundaria, escuchaba música pop pero iba por ahí con una actitud ligeramente insoportable como: «Claro, pero mis favoritos son Ravel y Rachmaninoff. No soy como el resto de vosotros». (risas) Escuchaba un amplio espectro que iba desde el Romanticismo hasta el modernismo temprano, pero no me importaban mucho los compositores de la época clásica como Mozart o Beethoven. Estaba demasiado enamorada de los impresionistas. Puedo apreciar otros géneros y pensar que suenan bien, pero en el fondo, soy una friki de la música clásica. Incluso hoy, si pienso en qué escuchar antes de dormir, siempre es música clásica.

Yamane: ¿Qué opinas de Chopin? Me gusta especialmente su Sonata para piano n.º 3 en si menor.

Shimomura: Me encanta Chopin. El último movimiento de la tercera sonata es una de mis dos piezas para piano favoritas de todos los tiempos. El principio es espectacular; me pone la piel de gallina. Me gustaba tanto que estaba completamente preparada para tocarla en mi examen de graduación, pero debido a varias circunstancias, terminé cediéndosela a otro estudiante… un recuerdo amargo para mí. ¡Había trabajado duro durante dos años con la ilusión de tocarla en mi examen final!

Yamane: Yo tenía la versión en vinilo interpretada por Alexis Weissenberg. Es una pieza preciosa, cargada de emoción. Cuando estaba a punto de dejar Konami, la practiqué un poco, pero terminé rindiéndome. La mano izquierda toca en cuatrillos mientras la derecha hace tresillos, una polirritmia.

Shimomura: Yo tampoco logré tocarla a mi satisfacción. Me gustaba tanto que terminé recreándola mediante programación MIDI.

Yamane: Todos hacemos eso, ¿verdad? (risas) Yo he hecho exactamente lo mismo porque no podía tocarla yo misma, concretamente con Jeux d’eau de Ravel. Ravel era increíblemente difícil.

Shimomura: Me encanta escuchar a Ravel, pero tengo la tendencia a querer tocar todo con demasiado dramatismo, así que en ese sentido, encuentro que su obra es ininterpretable para mí. Solía tocar solo el breve clímax de Scarbo. Volviendo a Chopin, también me encanta su Estudio Op. 10, n.º 4. Durante mi primer año en la universidad, cuando estaba en el patio, podía oír esa pieza constantemente. Era una pieza obligatoria para el examen de transferencia de tercer año, así que todo el mundo la practicaba en todas partes. Recuerdo sentir una desesperación absoluta, pensando: «¿Se supone que debo ser capaz de tocar así en un año? Es imposible». Es una pieza que me causó mucha frustración. Cuando se trata de interpretaciones, cuanto más rápido, más me gusta. Me encanta tocar rápido. Siempre supongo que esa es la razón por la que mis propias composiciones acaban siendo tan rápidas. (risas)

Yamane: Creo que eso también muestra tu disposición hacia la música rock. En cuanto a piezas intensas, me encanta el Estudio Revolucionario (Op. 10, n.º 12), aunque no puedo tocarlo entero.

Shimomura: Yo también practiqué ese. Me encantan las canciones intensas como esa. Es clásica, pero posee esta chispa oculta que parece que podría fusionarse con el rock y sonar increíblemente bien. Sin duda, tenía el deseo de hacer algo así. Mi dilema era simplemente que no podía tocar lo suficientemente bien para lograrlo. Hay un pianista famoso llamado Hayato Sumino (Cateen) que es increíblemente popular en YouTube, y últimamente veo muchos de sus vídeos. Él hace todo lo que yo siempre quise hacer, así que lo adoro. El vídeo que me enganchó fue uno en el que toca el Concierto para piano n.º 2 de Rachmaninoff.

—He notado que el nombre de Rachmaninoff ha aparecido varias veces.
Shimomura: Se dice que Rachmaninoff tenía manos enormes, capaces de alcanzar desde el do hasta el sol. Es increíblemente difícil si tienes manos pequeñas. Pero aun así, me encuentro con ganas de tocar su música, hasta el punto de querer darme patadas. (risas)

Yamane: Hablando de Rachmaninoff, el Concierto para piano n.º 2 es probablemente su obra más famosa. Es una pieza magnífica, y la orquestación es brillante.

Shimomura: Me encanta cada uno de los movimientos. Es una pieza repleta de catarsis pianística. También me gustaría mencionar su Preludio en do sostenido menor, Op. 3, n.º 2. Mao Asada patinó con él, y la gente suele referirse a él como «Las campanas» hoy en día.

«¡Deberías empezar a estudiar composición ahora mismo!»

Shimomura: Volviendo a Chopin, cuando estaba en segundo grado, escribí una pieza improvisada llamada Gekiryu (Torrente) que era esencialmente una reinterpretación en tono menor del Minute Waltz. Por alguna razón, Square Enix terminó emitiendo la grabación original en una transmisión en vivo, e incluso hicieron que un pianista profesional la interpretara. Siento que le debo una disculpa al Minute Waltz. (risas) Esa fue la segunda canción que escribí, y es mi composición más antigua que se conserva.

Yamane: Así que has tenido preferencia por los tonos menores desde que eras niña. Yo era exactamente igual. Cuando tomaba lecciones de electone, escribí una pieza en la menor llamada Nakimushi Pierrot (Payaso llorón).

Shimomura: De todos los ejercicios de Czerny 40, solo unos dos están en tono menor, y esos eran los únicos que aprobaba de inmediato. Mi profesora me dijo: «¡Qué interpretación musical de Czerny!» (risas) Recuerdo pensar: «Vaya, me encantan los tonos menores».

—¿Seguiste experimentando con tus propias composiciones después de eso?
Shimomura: Sí, aunque nunca había escrito partituras. Eso cambió en el instituto durante la clase de música, donde nos encargaron componer una pieza, lo que me obligó a escribir una partitura completa por primera vez. Me pareció divertido hacerlo en serio, lo que debió de activar mi motivación. Por alguna razón, escribí una pieza de siete minutos para piano. En retrospectiva, es profundamente embarazoso, pero en aquel momento estaba convencida de que había escrito una obra maestra. Esperaba con impaciencia los comentarios y elogios de mi profesor de música. Ella lo miró, se volvió hacia mí y me dijo: «¿Eres del tipo B?» Dije: «No». «¿Tipo O?» «No». «Seguro que no eres tipo AB, ¿verdad?» «No». Entonces dijo: «¡Lo sabía! ¡Siempre hay uno de estos del tipo A!» y siguió tocando el piano mientras hablaba. (risas)

—¡Eso ni siquiera es una crítica! (risas)
Shimomura: No fue un elogio, no fue un regaño y no hubo ni un solo consejo. Me sentí completamente frustrada el resto del día. En ese momento, estaba tan obsesionada con Seiji Ozawa que en realidad estaba tomando lecciones de dirección en una academia de música. Ese día resultó ser un día de clase de dirección, y mi instructor me preguntó: «¿Qué te pasa? Pareces desanimada hoy». Cuando le expliqué lo que había pasado, me dijo: «Déjame oírla». Así que, de todas las cosas, terminé tocando mi pieza delante de un director profesional.

Después de tocar una página, me dijeron: «Escucha, deberías dejar la dirección ahora mismo y empezar a estudiar composición». Eso me hizo increíblemente feliz. Aunque no tenía talento para la dirección, ese fue exactamente el momento en que se sembró la semilla de que escribir música podría ser un camino divertido. Si no hubiera recibido ese consejo, quizás no estaría trabajando en este campo hoy.

Yamane: Los profesores son tan importantes. Me he dado cuenta de ello en varios momentos clave de mi vida también.

Orquestación

—Cuando se trata de obras orquestales, ¿cuáles son tus favoritas?
Yamane: La primera que me viene a la mente es La consagración de la primavera de Stravinsky. Creo que casi todo el mundo recurre a esa pieza como referencia. Es tan masiva.

Shimomura: Hablando de gran escala, tengo que mencionar Carmina Burana de Carl Orff y el Réquiem de Verdi. Esas tres son prácticamente la «trinidad de los jefes finales» de la música orquestal.

Yamane: También me encanta la Trilogía romana de Respighi.

Shimomura: Me gustaría añadir a Berlioz a la lista también. Justo después de graduarme del instituto, participé en un concierto de antiguos alumnos con mi antigua banda de música y toqué Marcha al cadalso.

Yamane: Ravel y Debussy son absolutos imprescindibles por los que todo el mundo pasa. Ambos tienen tantas piezas increíbles que es difícil elegir solo una. Pero si hablamos de música para piano, Jeux d’eau, Sonatine y la Pavana para una infanta difunta de Ravel son obras maestras atemporales. De Debussy, escuchaba Children’s Corner constantemente y me encantaba tocarlo, aunque tratar de imitar su estilo es increíblemente difícil de conseguir.

Shimomura: Sus piezas son sorprendentemente difíciles de tocar. Piensas: «¡Esto no es para niños en absoluto! (risas)». De Debussy, me gusta bastante una pieza temprana llamada Pour le piano. Tiene una sección de glissando que quería probar desesperadamente, por eso la elegí. Como es de su periodo temprano, no suena del todo a Debussy típico, pero la forma en que la melodía alterna entre las manos izquierda y derecha es muy atractiva. En cuanto a Ravel, soy una gran fan de Alborada del gracioso y La valse.

Yamane: Bartók también es increíble, cosas como el Concierto para orquesta y Mikrokosmos. También me sentía profundamente atraída por los compositores rusos, empezando por Tchaikovsky y llegando hasta Scriabin.

Shimomura: Oh, adoro a Scriabin.

Yamane: También usé a Shostakovich como punto de referencia con bastante frecuencia.

Shimomura: La Sinfonía n.º 5 (Revolución) de Shostakovich es genial. Tiene esta aura increíblemente amenazadora y aterradora. El cuarto movimiento es el más famoso, ¿verdad? Suena espectacularmente bien cuando escuchas una interpretación donde la sección de metales está perfectamente sincronizada. De Scriabin, su Estudio Op. 8, n.º 12 es impresionante. Intenté practicarlo, pero mis manos eran demasiado pequeñas.

Yamane: También me encanta Prokofiev.

Shimomura: Soy una gran admiradora de su Sonata para piano n.º 2, específicamente el primer movimiento. Ahora que lo pienso, la gente suele decir que los compositores rusos comparten cierta sensibilidad que resuena con los japoneses. Hay una ligera melancolía. La forma en que se aferra a la tonalidad justo al borde absoluto realmente impacta.

Yamane: Tiene esta atmósfera oscura y turbia de Moscú que la diferencia del estilo impresionista de Ravel o Debussy. Los compositores rusos ocasionalmente tejen selecciones de notas de Oriente Medio en lugar de ceñirse estrictamente a la escala occidental tradicional, lo que me parece cautivador. Ravel también utiliza escalas no occidentales tradicionales para crear un sabor oriental, pero el enfoque ruso es distinto. En realidad, escribí mi tesis de graduación sobre la orquestación del Bolero. Tanto Ravel como Debussy utilizaban modos eclesiásticos, ¿verdad? Incorporar esos elementos sirvió como una inmensa referencia para mi trabajo en Castlevania. Por supuesto, Castlevania también mezcla música sacra y estilos barrocos, y también escucho a Bach. Me gusta mucho El clave bien temperado de Bach y sus Invenciones.

Shimomura: En realidad, al principio no soportaba a Bach. De hecho, descarté por completo la idea de ir a una escuela de música secundaria solo porque no quería tocar a Bach. Empecé a apreciar su música solo cuando decidí ir a la universidad de música. Fue entonces cuando finalmente me obligué a abordar su obra. Solía hacer que mi cerebro hiciera cortocircuitos, así que me costaba, pero por alguna razón, me enamoré de la Invención n.º 13 en la menor de sus Invenciones a dos voces. Algo en ella me llegó al corazón. Recuerdo claramente que aprobé esa pieza en mi primer intento. Ese fue el punto de inflexión para mí.

También me encanta la pieza que se utiliza como acompañamiento para el Ave María de Gounod. Como es barroca, se supone que debes articular cada nota con claridad, pero yo siempre quería tocarla con dramatismo como una pieza romántica, lo que me valió muchos regaños de mi profesora. (risas) Me decían: «¡Así no se toca a Bach!» y yo pensaba: «¿A quién le importa? ¡Déjame tocarla como creo que suena bien!». Pero bueno, así es la música clásica a veces.

Yamane: La interpretación debería tener mucha libertad. Hablando de eso, me recuerda a la película Sonrisas y lágrimas 2, donde reorganizan el Himno a la alegría de Beethoven en un estilo gospel moderno para la canción Joyful, Joyful. Personalmente, me encanta ese tema; es increíblemente genial. Siempre me ha gustado la música coral y las armonías vocales. Ese tipo de interpretación alegre y colaborativa es algo que simplemente no se puede recrear en un ordenador. En un nivel fundamental, soy alguien cuyo núcleo musical fue moldeado por los sonidos analógicos. Esa fue una gran razón por la que terminé agotada de la secuenciación hacia el final de mi etapa en Konami. Espero que ese estilo de música encuentre su lugar en los videojuegos con más frecuencia.

Shimomura: No nos piden crear ese estilo de música para juegos muy a menudo, ¿verdad?

Yamane: Como mucho, te pueden dar un «haz lo que quieras» para un tema de apertura o de cierre.

Shimomura: Los juegos tienden a exigir música que se sienta como combate o algo igualmente intenso, pero podría ser realmente interesante tener un tema de batalla con ese tipo de energía gospel. Eso sí, lograr ese nivel de calidad haría que la grabación fuera una pesadilla.

Rock y fusión

Yamane: Antes mencionaste el concepto de música clásica con infusión de rock. ¿Qué opinas de Dream Theater?

Shimomura: ¿Es eso lo que llaman metal progresivo? Escuché mucho su segundo álbum. Es increíblemente clásico, ¿verdad? Las melodías son absolutamente hermosas.

Yamane: Es genial. Sin duda los usé como referencia. También tienen baladas preciosas. Es como si hubieran trascendido los límites del rock progresivo.

Shimomura: El rock progresivo tradicional siempre me pareció un poco inaccesible.

—Su álbum debut, When Dream and Day Unite, salió en 1989. ¿Lo escuchaste en aquella época?
Yamane: Para mí, fue alrededor de 1993 o 1994. Me habían trasladado de Kobe a Tokio, y poco después, Akira Yamaoka se unió a la empresa y resultó que se sentó justo a mi lado. Estábamos trabajando frenéticamente juntos en Rocket Knight Adventures. Me prestó un montón de discos de rock progresivo, diciendo: «Estos serán una gran referencia para los temas de los jefes de juegos de acción», y Dream Theater estaba en ese montón. Me hice fan al instante e incluso fui a verlos en directo cuando hicieron una gira por Japón. Como prácticamente toda la banda fue al Berklee College of Music, imagino que su enfoque académico es parte de lo que me atrae.

Shimomura: No recuerdo bien cómo descubrí a Dream Theater. Durante los primeros años después de unirme a Capcom, sentía que necesitaba ponerme al día con toda la música a la que no me había expuesto, así que iba a la tienda de alquiler de CDs cada semana, cogía unos diez CDs a la vez y los grababa todos en cintas de casete. Imagino que fue solo uno de los álbumes de esos lotes. Probablemente compré el CD más tarde porque me gustó mucho, o quizás solo pensé que la portada era genial. El que más escuché fue su segundo álbum, Images and Words. Lo escuché hasta la saciedad durante mis últimos días en Capcom.

Yamane: Normalmente no escucho música impulsada por la guitarra, pero cuando estaba en la escuela primaria y secundaria, los guitarristas eran muy populares, así que escuchaba varias cosas. Del álbum Wired de Jeff Beck, me encantaba especialmente el primer tema, Led Boots, y lo escuchaba bastante. Sus riffs no paran de fluir, cambiando a un compás impar en el medio, y es muy emocionante cuando Jeff lo construye hasta un gran clímax. Aparte de eso, escuchaba cosas como Room 335 de Larry Carlton y Blue Lagoon de Masayoshi Takanaka.

—Así que fusión temprana.
Shimomura: Ahora que lo pienso, en Capcom había un puñado de amantes de la fusión. Manami Matsumae era una de ellas, y a mí también me gustaba, aunque escuchaba mucho a Level 42 y Mezzoforte sin siquiera saber que se llamaba fusión. Cuando estaba en Los Ángeles trabajando en Parasite Eve, me entró un repentino deseo de volver a oír a Mezzoforte. Pero no se vendía en ningún sitio, así que recuerdo haber importado todo desde el norte de Europa para tener la colección completa.

—Debes haberte sentido increíblemente cautivada por ellos. ¿Hubo un desencadenante específico?
Shimomura: Creo que escuché a Level 42 primero, y cuando empecé a profundizar en ese tipo de sonido, Takashi Tateishi —conocido por su trabajo en Rockman 2 y otros juegos, que usaba el seudónimo OG durante su época en Capcom— me puso el álbum de Mezzoforte Surprise Surprise, que contiene el tema Garden Party, diciéndome: «Apuesto a que esto es exactamente el tipo de cosas que te encantarían». Desde entonces, quedé completamente enganchada. Creo que incluso influyó en mi propia secuenciación, como mi hábito de querer meter muchas notas intrincadas.

Solía consultar a Tateishi sobre todo tipo de cosas. Cuando refunfuñaba y decía: «No tengo talento, solo quiero dejarlo», él fue quien me dijo: «Aguanta un poco más». Me elogiaba y me criticaba al mismo tiempo, diciendo: «Tu ritmo puede ser un desastre, pero escribes grandes melodías, así que sin duda triunfarás. (risas)».

—¿Y la fusión japonesa?
Yamane: Aparte de Masayoshi Takanaka, solo conozco Asayake de Casiopea porque es muy famosa. Pero la música de grupos como Casiopea y T-Square sin duda llamó mi atención. También sentía curiosidad por la música de fusión en los videojuegos, hasta el punto de que salía a jugar a OutRun solo porque quería oír Magical Sound Shower.

Bandas sonoras de cine

Yamane: La gente suele buscar inspiración en las bandas sonoras de películas para componer música de videojuegos. Desde que empecé en la industria, me he esforzado conscientemente por seguir las películas que eran grandes éxitos, como E.T., por ejemplo. Cuando oía algo que me gustaba, intentaba adaptarlo y entretejerlo en mi propio trabajo. A nivel personal, era una gran admiradora del trabajo de Michael Nyman en El piano.

Shimomura: Hubo una época en la que se esperaba que la música de los videojuegos sonara como la de John Williams. Luego, después de un tiempo, empezaron a mezclarse estilos como los de Hans Zimmer o Danny Elfman.

—En ese punto, es prácticamente obligatorio escucharlos.
Yamane: Es cierto. Escuché bandas sonoras hasta aproximadamente Harry Potter.

Shimomura: Obviamente me encanta John Williams, pero Jerry Goldsmith también es uno de mis favoritos. Desafío total es mi favorito absoluto; lo escuchaba constantemente. Me encanta la sensación de los ritmos combinados con las pistas secuenciadas. La profecía también se siente como el manual definitivo para la música de fondo (BGM). Captura el mundo y la atmósfera de esa película de forma muy concisa. No es tan melódico como el trabajo de John Williams, funcionando estrictamente como música de fondo que da un paso atrás, pero aun así, me parece increíblemente genial. Creo que la música de los videojuegos debería igualmente dar un paso atrás en lugar de empujarse a sí misma al frente, así que en ese sentido, siento que su trabajo es el más cercano a la naturaleza de la música de videojuegos.

Yamane: No me di cuenta conscientemente de lo mucho que prestaba atención a Goldsmith, pero mirando hacia atrás, escuché muchas de sus cosas, como Malicia, Instinto básico y L.A. Confidential. La momia también es espectacular.

—En cuanto al enfoque de combinar la secuenciación con la orquesta, ¿qué opinas de Hans Zimmer?
Yamane: Por supuesto que lo escuché. Me pareció genial, pero sentí que era algo que no podía emular realmente.

Shimomura: Estoy de acuerdo en que suena genial, pero como compositores de videojuegos no es como si pudiéramos llamar a cientos de músicos. Hoy en día, hay instrumentos de software que incluso llevan el nombre de Zimmer, pero parece que en la industria del juego no se habla tanto del estilo Zimmer como antes. Siento que ahora hay una mayor demanda de originalidad.

Yamane: Cuando la gente me dice que haga algo al estilo de fulanito, tiendo a ser demasiado consciente de ello, así que una parte de mí quiere oírlo y otra no. Solo preguntaba qué estilo buscaban cuando la comunicación con un cliente no iba bien.

Shimomura: De vez en cuando, te llega un pedido que te quita toda la motivación, como: «No hay manera de que pueda hacer esto». Nunca lo sabes hasta que te sumerges.

Yamane: Volviendo al tema de las bandas sonoras, también está Ennio Morricone. Como me encanta la orquesta sinfónica, me siento profundamente atraída por la brillantez de sus melodías. Su música proviene de una época en la que las partituras se editaban meticulosamente a mano para coincidir con las imágenes, lo que le da un sabor completamente diferente en comparación con épocas posteriores.

Shimomura: En el pasado, la orquesta no era una opción cara, era la única opción. La música de los dramas televisivos de dos horas que veíamos era toda así, y era completamente normal que los programas musicales tuvieran una lujosa banda en directo acompañándolos. No se puede conseguir ese tipo de sonido hermoso ni siquiera con los últimos instrumentos de software de hoy en día. Como Michiru y yo crecimos escuchando eso, no podemos evitar pensar que es imposible reemplazar fácilmente una orquesta en directo real con una pista orquestal secuenciada hecha con un presupuesto bajo.

Yamane: Creo que está perfectamente bien tratarlos como géneros completamente diferentes. En cuanto a intentar replicar algo mediante la secuenciación, siento que hice todo lo que quería hacer durante mi tiempo en Konami, así que estoy contenta de dejarlo así.

Shimomura: En mis proyectos recientes, aunque todavía no es completamente orquesta, he podido utilizar grabaciones de sesiones de estudio, y las oportunidades de grabar alrededor del 80% de la partitura con instrumentos en directo han aumentado. Por fin hemos llegado a un punto en el que esto es posible. Ha sido un largo camino. Pero, por supuesto, eso solo ocurre cuando hay un presupuesto suficiente. De lo contrario, solo tienes que hacer lo que puedas con lo que tienes. Afortunadamente, realmente disfruto del meticuloso proceso de ajustar los datos. Aceptándolo como un género completamente diferente, me encanta ver hasta dónde puedo acercar los datos al sonido que suena dentro de mi cabeza. No me importa dedicar tiempo a eso en absoluto, así que soy increíblemente meticulosa cuando se trata de programar la articulación de cada nota.

—Está claro que la relación entre la música de los videojuegos y las orquestas sigue evolucionando. Sería maravilloso que el sonido de los instrumentos en directo reales, que está tan arraigado en las experiencias de ambas, vuelva a convertirse en una opción estándar algún día. ¡Muchas gracias a ambas!.

Si puedes leer japonés, recomiendo encarecidamente comprar una copia de este libro. Las otras 11 entrevistas son igualmente fascinantes; esto es la crema de la investigación histórica de los videojuegos. ¡Apoyar el trabajo de hally asegura que veamos más cosas como esta en el futuro!